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En tant que motion designers, c’est notre travail de créer des designs visuels accrocheurs qui captent le public, transmettent un message et racontent une histoire. Mais alors que nous nous asseyons et travaillons sur des ordinateurs puissants, il est facile d’oublier que le motion design fait partie d’une longue histoire de l’animation qui a évolué sur plus de cent ans. Bon nombre des principes et des techniques qui guident notre travail ont été développés par les animateurs traditionnels du passé.
Pour savoir où nous allons, il est bon de savoir où nous avons été. Dans cet article, nous examinerons les différents types et styles d’animation et leur lien avec notre travail de motion designers.
N’importe qui peut donner un exemple d’animation, mais qu’est-ce que c’est exactement ? S’agit-il d’images et de personnages qui se déplacent sur un écran ? Si oui, en quoi est-ce différent de la vidéo traditionnelle ?
La différence essentielle est que le film ou la vidéo est un processus passif de capture de la vie en action (d’où l’ancien terme, « image animée »), tandis que l’animation est le processus actif de donner vie à des choses inanimées.
Il existe d’innombrables façons de créer l’illusion de mouvement grâce à l’animation. Presque toutes les formes d’art imaginables ont été animées à un moment donné. Cependant, d’un point de vue pratique, seuls quelques styles et méthodes d’animation se sont révélés techniquement et commercialement viables.
Mais il est important de comprendre que l’animation en tant que médium de narration populaire peut être divisée en deux époques distinctes : traditionnelle (avant les ordinateurs) et moderne (après les ordinateurs). Alors que les styles d’animation traditionnels ont été maintenus en vie par les puristes et les auteurs, la grande majorité du travail d’animation réalisé aujourd’hui est généré sur des machines.
Examinons d’abord les styles d’animation traditionnels qui ont jeté les bases de l’animation telle que nous la comprenons aujourd’hui.
Comme mentionné ci-dessus, l’animation traditionnelle fait référence à toutes les techniques d’animation qui ne reposent pas sur un ordinateur. Cette catégorie peut être divisée en styles 2D et 3D, où la principale différence réside dans la façon dont les images – en particulier la lumière et l’ombre – sont rendues.
Dans les styles 2D traditionnels, la lumière et l’ombre sont rendues à l’aide de techniques artistiques qui créent l’illusion de profondeur, de lumière et d’ombre. En 3D traditionnelle, la lumière et l’ombre proviennent du monde réel, capturées avec bon nombre des mêmes techniques que les cinéastes utilisent lors du tournage de films (par exemple, l’animation en stop motion).
Le lien commun entre la 2D traditionnelle et la 3D est que les deux méthodes sont réalisées grâce à un processus extrêmement lent, image par image. Les maîtres du métier dirigent des armées entières d’animateurs pour transformer des dessins ou des marionnettes en magie cinématographique.
Dans l’animation 2D traditionnelle, un artiste (ou une équipe d’artistes) crée une série d’images 2D stylisées qui, lorsqu’elles sont photographiées en séquence, créent l’illusion de mouvement.
C’est la norme classique pour l’animation. De Mickey Mouse à La Petite Sirène en passant par les Teenage Mutant Ninja Turtles , c’est le style d’animation que la plupart des gens connaissent et celui que nous associons le plus volontiers au divertissement animé.
Dans le processus d’animation cel, le travail est généralement réparti entre une grande équipe d’animateurs, tous travaillant ensemble pour réaliser la vision du réalisateur. Un « artiste d’images clés » dessinera les images critiques dans une séquence tandis que des « artistes intermédiaires » rempliront les images entre les images clés. Ensuite, ces dessins sont transférés sur des feuilles d’acétate transparentes, peints et photographiés en séquence sur un arrière-plan fixe – un processus brutalement lent.
Un sous-type d’animation cel, Rotoscope est le processus de création d’animation en traçant sur des images de référence en direct. Les exemples classiques incluent les dessins animés de Max Fleischer Superman des années 1940 et le film Fire & Ice (1983). En regardant, il est clair que les personnages et les mouvements sont basés sur les limites de vraies personnes plutôt que d’afficher l’élasticité inhumaine des personnages animés par cel.
Les animateurs de découpe organisent et déplacent des morceaux de papier pour créer des personnages et du mouvement. C’est une forme d’animation efficace, car les personnages peuvent être réutilisés plusieurs fois. Il n’est pas nécessaire de créer des dessins fastidieux pour chaque image. L’exemple le plus célèbre de ce style est celui des premières saisons de South Park.
Les animations graphiques sont essentiellement des conceptions graphiques animées, mettant l’accent sur le texte et les formes plutôt que sur les personnages et la narration. Des exemples courants de motion design sont les génériques de films et les publicités. Pour un exemple classique de motion design prénumérique, jetez un coup d’œil à l’ouverture de Psycho d’Alfred Hitchcock (1960).
Un animateur de flipbook dessine une séquence d’images sur une série de pages, puis anime en retournant rapidement les pages. C’est probablement la forme d’animation la plus pure, car elle ne nécessite même pas d’appareil photo ou de projecteur – tout ce dont vous avez besoin est un crayon et une pile de papier.
Un zoetrope est un appareil circulaire avec une source lumineuse au centre. Pour créer une animation, une série d’images sont placées autour du cercle, puis tournées. Le spectateur regarde à travers une fenêtre et, à mesure que l’appareil tourne, l’illusion de mouvement est créée.
L’animation 3D traditionnelle est réalisée à l’aide d’une technique appelée stop-motion, dans laquelle un animateur effectue de minuscules ajustements sur des objets du monde réel, puis photographie ces ajustements une image à la fois. Le stop-motion utilise bon nombre des mêmes techniques d’éclairage et de caméra utilisées par les cinéastes.
C’est le style stop-motion que la plupart des gens connaissent, utilisé pour créer des films et des émissions de télévision ainsi que des effets visuels pour les films d’action en direct. Des marionnettes très détaillées sont utilisées, souvent miniaturisées pour les rendre plus faciles à utiliser.
Regardez à peu près n’importe quel dinosaure de film avant Jurassic Park, et vous verrez l’animation de marionnettes en action.
Également appelée Claymation, il s’agit d’une autre technique classique de stop motion, mais la principale différence est que des modèles d’argile sont utilisés plutôt que des marionnettes. L’argile offre un aspect visuel distinct qui a tendance à être plus fluide et malléable que ce qui peut être obtenu avec des marionnettes.
De nombreux cinéastes et animateurs ont fait leurs débuts en réalisant des films avec leurs figurines, Legos et autres jouets. Ce style, également appelé Chuckimation, a tendance à mélanger une variété de méthodes, y compris le stop motion et la marionnette. Robot Chicken est un excellent exemple moderne de ce style.
L’animation traditionnelle a également été utilisée pour soutenir la réalisation de films, où des animations dessinées à la main ou peintes ont été associées à des images en direct pour créer des effets spéciaux. Par exemple, pensez à l’électricité descendant le câble vers la DeLorean à la fin de Retour vers le futur.
Si un artiste peut le créer, il peut être animé. Peintures, gravures sur bois, sable, peinture en aérosol, sculptures – tous ont été animés à un moment donné. Bien qu’intéressantes sur le plan artistique, les méthodes d’animation alternatives ont tendance à ne pas être viables, car elles prennent trop de temps.
Et c’est vraiment le facteur clé quand il s’agit d’animation : le temps. Bien que presque tout puisse être animé, il est impossible de le faire si cela prend 50 ans. Au lieu de cela, toute l’évolution de l’animation a été une quête pour gagner du temps et de l’argent en rendant le processus plus efficace.
Pour que l’animation se développe vraiment au-delà des limites fixées par les méthodes traditionnelles, les animateurs avaient besoin d’un outil capable d’augmenter considérablement l’efficacité du processus.
Nous pouvons déplacer manuellement du texte animé sur un écran – ce qui peut prendre des heures ou des jours – ou nous pouvons dire à l’ordinateur de le faire et de le faire en quelques secondes. Peu importe ce que l’on pense de la beauté des méthodes d’animation traditionnelles, l’efficacité des ordinateurs numériques est indéniable. En conséquence, presque tout le travail d’animation moderne est effectué sur un ordinateur, connu sous le nom d’images générées par ordinateur (CGI).
L’animation traditionnelle est toujours vivante, bien sûr, mais elle est devenue une nouveauté, de la même manière que les gens pourraient encore utiliser des voiliers pour voyager à l’ère des avions, amusants et charmants, mais moins pratiques.
Même les dessins animés qui étaient à l’origine dessinés à la main sont maintenant créés à l’aide d’un logiciel d’animation vectoriel qui imite le style d’animation cel traditionnel. Après tout, la tête d’Homer Simpson n’est qu’une série de formes géométriques. Pourquoi les dessiner encore et encore alors que vous pouvez simplement traduire une image vectorielle sur un écran ? Pourtant, bon nombre des compétences, des principes et de la terminologie développés pour l’animation cellulo sont conservés dans le processus aujourd’hui (par exemple, les images clés).
L’animation 3D générée par ordinateur est comme un stop-motion produit dans un espace virtuel. Tout ce qui rendait le stop-motion difficile est rendu plus facile par l’ordinateur. Bien qu’il puisse y avoir des compromis en matière de réalisme, la facilité de travailler avec des modèles numériques ne peut être sous-estimée.
L’animation 3D moderne peut être photoréaliste ou hyper stylisée, créant une sorte de style hybride qui combine les meilleures caractéristiques de la 2D et de la 3D traditionnelle. Les meilleurs exemples de cela viennent de Pixar, qui a été l’un des premiers studios à produire des films d’animation entièrement rendus en 3D CGI.
Les ordinateurs ont considérablement élargi les moyens par lesquels les animateurs peuvent ajouter des effets visuels (VFX) aux films, augmentant ainsi la sécurité. Presque tous les effets spéciaux dangereux peuvent désormais être recréés de manière photoréaliste par des animateurs informatiques. Feu, eau, électricité, explosions, coups de feu, maquillage, tout peut être animé avec un réalisme incroyable. Est-ce mieux ? Peut-être, peut-être pas. Mais c’est malléable et plus sûr, c’est tout ce que beaucoup de producteurs ont besoin d’entendre.
Comme pour d’autres formes d’animation, les graphiques animés n’ont jamais été aussi faciles à créer, grâce aux logiciels informatiques. Comme pour l’animation 2D, un travail qui prenait auparavant des jours peut être effectué en quelques minutes. Les outils vectoriels donnent aux experts et aux amateurs la possibilité de créer des designs accrocheurs qui auraient littéralement été impossibles il y a quelques décennies à peine.
En tant que motion designers, nous sommes à la pointe d’un long processus de développement de l’animation. Bien que certains des problèmes résolus par nos prédécesseurs ne soient plus pertinents aujourd’hui, une grande partie de ce qu’ils ont découvert nous affecte toujours et le comprendre peut nous rendre meilleurs dans ce que nous faisons.
De manière réaliste, l’animation a toujours été une technique hybride, les créateurs poussant aussi loin qu’ils le pouvaient, combinant autant de techniques que possible pour créer une expérience formidable pour le public. L’original La Belle et la Bête combinait l’animation traditionnelle cel dessinée à la main avec les premiers CGI. Est-ce que Avengers : Endgame est un film d’action en direct avec VFX, ou une animation 3D avec de l’action en direct ? Il n’y a pas de réponse claire.
Bien qu’il soit important de voir les distinctions entre les différents types d’animation, nous ne devrions probablement pas trop nous y attarder. Les lignes entre ces choses sont arbitraires et n’ont pas vraiment d’importance dans l’ensemble. Ce qui compte, c’est l’intention du créateur, le public et l’histoire que nous racontons. Notre travail en tant que motion designers est d’utiliser tous les outils que nous pouvons pour atteindre cet objectif.
