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Il y a une magie particulière à voir une animation graphique se réaliser lorsque toutes les animations fonctionnent de manière transparente pour peindre une image, raconter une histoire ou simplement vous divertir. Transformer une idée simple en une œuvre d’art demande du temps, des compétences et de l’expérience, mais les éléments de base sont souvent les mêmes. Pour de nombreux motion designers, leurs idées créatives commencent à se transformer en quelque chose de tangible lors d’une phase clé : le storyboard.
Un storyboard pour le motion design n’est pas exceptionnellement différent du storyboard pour tout autre support, que vous tourniez un autre type d’animation ou un clip vidéo en direct. Dans cet article, nous verrons ce qu’est un storyboard, pourquoi il est important, et même quelques exemples, donc la prochaine fois que vous serez prêt à créer une animation graphique, vous aurez toutes les connaissances dont vous avez besoin pour créer vos planches.
Alors qu’est-ce qu’un storyboard de toute façon ? Les storyboards sont des références visuelles pratiques que les cinéastes de toutes sortes esquissent pour décrire approximativement ce qu’un public verra dans leur travail. Les croquis sont destinés à être linéaires – montrant la séquence d’événements qu’un cinéaste cherche à créer la prochaine fois qu’il passera derrière l’objectif – ou dans le cas des motion designers, derrière le bureau.
Les storyboards ne sont généralement pas la première étape de votre idée créative, mais suivent plutôt rapidement après une phase de script. Que vous travailliez avec un scénario ou un traitement quelconque, les tableaux sont construits à partir du récit pour commencer à voir comment les mots entrent en jeu lorsque nous incorporons des visuels dans notre histoire.
Vous ne serez probablement pas surpris d’apprendre que l’art du storyboard a commencé aux Walt Disney Studios. Étant donné que le studio d’animation historique est crédité, d’avoir établi des éléments tels que les principes de mouvement qui guident l’ensemble du motion design et de l’animation, les studios Walt Disney sont considérés comme les véritables initiateurs du processus que nous utilisons tous aujourd’hui. Ce processus a commencé sur un court métrage Disney de 1933 intitulé Three Little Pigs , relatant la célèbre fable pour enfants.
Dans ce film, l’animateur de Disney, Webb Smith, aurait déclenché la notion de storyboard en suggérant à l’équipe de rassembler une séquence de dessins détaillés sur des feuilles de papier et de les épingler sur un tableau d’affichage. Bref, le storyboard moderne ! Au fur et à mesure que cette étape du processus devenait plus avancée avec l’évolution des personnages de Disney et des scénarios plus impliqués, le studio a commencé à embaucher et à former des artistes spécifiquement pour un département de storyboard. Le processus s’est rapidement étendu au-delà de la simple animation : des longs métrages d’action en direct comme « Autant en emporte le vent » ont été scénarisés pour comprendre et réaliser une vision bien avant que le réalisateur ne dise « ACTION ! » sur le plateau.
L’objectif général des storyboards est d’établir le récit visuel de votre œuvre. Un script ou un traitement aide à donner une voix à l’histoire réelle, et des éléments tels que les descriptions de scènes contribuent grandement à peindre l’image dans l’esprit du lecteur, mais le storyboard peut vraiment présenter le point de vue de la création et sa vision unique d’une histoire donnée.
Les storyboards sont également un élément clé du processus lorsque plusieurs créations sont impliquées. En voyant l’histoire devant eux sur des feuilles de papier, des équipes entières peuvent s’aligner sur le récit raconté et passer en toute confiance à l’étape suivante du processus – ce qui signifie souvent entrer dans la production réelle. Les storyboards réduisent souvent les reprises ou les longues séries de commentaires en raison de l’alignement qu’ils fournissent pendant la phase de préproduction.
Étant donné que les animations graphiques sont parfois créées pour les clients, cet élément d’alignement est toujours essentiel. Pour les non créatifs ou les personnes sans formation en design ou en cinéma, les scripts ou les traitements peuvent être difficiles à extrapoler dans un monde visuel. Le storyboard est peut-être la première fois que la vision que vous avez décrite clique vraiment pour eux. De cette façon, les storyboards sont essentiels pour emmener un client tout au long du parcours de votre animation graphique et peuvent permettre une livraison finale plus fluide.
Vous vous sentez prêt pour le storyboard ? La meilleure façon de penser à commencer est d’envisager chaque élément de votre script ou de votre traitement jusqu’à l’image unique. Cela peut sembler fastidieux, mais c’est ce qui fait les storyboards les plus réussis. Quelles sont les images clés de votre histoire qui aident à brosser le tableau ? Quels sont les choix stylistiques que vous pouvez faire lorsque vous illustrez ceux (soit à la main avec un crayon et du papier, soit avec un logiciel) qui peuvent aider à articuler clairement votre vision au fur et à mesure que vous progressez dans le processus de production ?
Comme nous venons de le dire, les storyboards montrent la séquence d’événements dans votre récit de manière linéaire afin que les créatifs (et tous ceux qui regardent) puissent comprendre l’histoire visuelle racontée par le graphique animé.
Il est important d’apporter votre propre style en tant que motion designer à chaque phase du processus de production, mais la conception a également sa propre phase dédiée au sein du processus appelée cadres de style. Bien que les cadres de style définissent la direction artistique et le ton, ils constituent une partie distincte et différente du processus, mais servent un objectif similaire d’aider à définir le monde visuel de votre pièce et à obtenir l’alignement de toutes les parties prenantes pour donner vie à cette pièce.
Les cadres de style (et les planches d’humeur qui les engendrent) viennent souvent avant le processus de storyboard. Bien que ces deux livrables de préproduction ne soient pas toujours utilisés dans tous les graphiques animés, un storyboard est un must absolu pour que vous compreniez le flux essentiel de votre pièce et comment la séquence des événements fonctionne ensemble.
Là où les storyboards sont une séquence d’événements, les cadres de style sont simplement utilisés pour indiquer la direction artistique de votre histoire. Considérez-les comme un tableau d’humeur plus évolués. Là où les planches d’humeur peuvent tirer des références de nombreuses sources pour aider à transmettre l’apparence générale de votre graphique animé, les cadres de style deviennent plus spécifiques et composent certains des éléments réels qui seront incorporés dans le travail à partir de polices de caractères spécifiques utilisées si nous incorporant le lettrage, pour comprendre l’histoire de couleur de notre pièce.
Les storyboards sont les éléments clés de la phase de pré-production et peuvent vous aider à aligner votre vision avec vos équipes créatives et vos clients. Si vous voulez créer une animation graphique de qualité professionnelle, n’hésitez pas à faire appel à l’agence Wapiyeah pour vous accompagner dans toutes les étapes du processus.
